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domingo, 19 de enero de 2020

SAVVA BRODSKY

"Cómo se templó el acero" de Nikolai Ostrovsky. Ilustración de Savva Brodsky

Savva Brodsky nace en Gomel en 1923. Ese mismo año, sus padres se mudan a Petrogrado (que pasaría a llamarse por aquel entonces Leningrado). En Leningrado, Brodsky estudia en una escuela secundaria de arte de 1938 a 1941. En 1944 ingresa en el Instituto de Arquitectura de Moscú.
Ya como arquitecto construyó dos teatros en Petrozavodsk y la casa museo de Aleksandr Grin en Feodosia (su autor favorito y de quien ilustró sus textos). Pero desde la década de los 60 centra su labor principalmente en la ilustración de libros.
Brodsky ha ilustrado las ediciones rusas de las obras de Shakespeare, Maupassant, Flaubert, Stevenson, Zweig (sus obras completas), Ibsen o Cervantes y otros muchos autores. Causó tal impresión su trabajo ilustrando el Quijote, que le llegó la siguiente carta desde España: "¡Señor Savva Brodsky! Sus ilustraciones me deleitaron y llenaron mi alma de gratitud. Cuando vi que un artista ruso era uno de los mejores ilustradores de nuestro Cervantes. Lo abrazo con admiración, hermano de arte, Juan de Avalos".
Juan de Avalos era miembro de la Real Academia de Bellas Artes San Fernando en Madrid. Así que a esa primera carta, le siguió una segunda en junio de 1976: "¡Señor Savva Brodsky! En la sesión extraordinaria que tuvo lugar en la Real Academia de Madrid, ha sido seleccionado como académico correspondiente de nuestra academia. Tengo el placer de informarle de esto. No se moleste en enviarnos su consentimiento ... Secretario General de la Real Academia Federico Sopeña Ibáñez ". Y luego llegó una invitación de la Real Academia para visitar España con una exposición.
El último trabajo de Savva Brodsky fueron las ilustraciones para "El abrigo" de Gogol. El libro fue publicado después de la muerte del artista en 1983 ya que Savva Grigorievich Brodsky falleció en 1982. Su hijo Alexander Brodsky es también un reconocido arquitecto y escultor.

Para todos aquellos que no pudisteis asistir a aquella exposición en el 77, aquí va una muestra de su trabajo.

Casa museo Aleksandr Grin en Feodosia.

"Maria Estuardo" de Stefan Zweig

"Carta de una de desconocida" de Stefan Zweig.

Ilustración para obras de Aleksandr Grin

"Espartaco" de Rafael Giovagnoli.

"Romeo y Julieta" de Shakespeare.

"Hamlet" de Shakespeare.

"Hamlet" de Shakespeare

"Don Quijote" de Cervantes.

"Los miserables" de Victor Hugo.

Ilustraciones de Savva Brodsky sobre la II Guerra Mundial.

"El señor de Ballantrae" de Robert L.Stevenson

"Secuestrado" de Robert L.Stenvenson

"Catriona" de Robert L. Stevenson

"Cómo se templó el acero" de Nikolai Ostrovsky

lunes, 31 de diciembre de 2018

JOHN Y FAITH HUBLEY.

Pista nº 1: John Hubley fue uno de esos artistas que entró a trabajar para Disney cuando este empezó a realizar sus primeros clásicos. Participó como pintor de fondos y en la elaboración de layouts en películas como "Blancanieves y los siete enanitos" (1937), "Pinocho" (1940) o "Dumbo" (1941). Nuestro hombre tenía ideas más bien progresistas (o de izquierdas, como más tarde comprobaremos) y fue uno de los muchos y valiosos artistas que abandonó el estudio como consecuencia de la huelga de 1941.

Pista nº2: Poco tiempo después y tras pasar por Screen Gems, John se unió al estudio UPA, que buscaba realizar otro tipo de animación y temas diferentes a los de los Disney, la MGM o la Warner. Allí creó al conocido personaje de Mr. Magoo en 1949 con el corto The Ragtime Bear, inspirándose en un tío suyo según cuenta la leyenda. UPA se apartaba aquí de los característicos animales antropomorfos que usaban las otras productoras (aunque tengo entendido que aceptaron hacer el corto por el oso, porque no las tenían consigo con lo de emplear humanos como personajes).

En 1952, Hubley recibiría una nominación al Oscar por el corto, Rooty Toot Toot, inspirado en la popular canción "Frankie and Johnny".

Rooty Toot Toot (1951)

Pero con la famosa "caza de brujas" del senador McCarthy y debido a sus ideas políticas, John tendría que abandonar el estudio (y es que John se negó a dar nombres, así que aunque no le cayó cárcel, le echaron de la animación cinematográfica que se realizaba para los cines).

Pista nº 3: Poco después de dejar UPA, John contrajo matrimonio con Faith Elliot (1924-2001), que había trabajado como editora de efectos de sonido y música.

John y Faith Hubley.

Juntos crearían la compañía Storyboard Studios, que sobreviría realizando publicidad para la televisión, pero con la que también impulsarían sus proyectos personales de animación independiente. Los Hubley tuvieron entre sus votos de compromiso el realizar un corto indepediente y no comercial anualmente. Faith continuaría con esta tradición después de la muerte de su marido en 1977.

Pero volviendo a los cincuenta... los Hubley y su estudio podían financiarse con los famosos comerciales de cereales Maypo, en los que su hijo daba la voz al niño ... y en los que el director no tenía por qué figurar acreditado (recordad.... "caza de brujas") ...

Y por otra parte, realizar Moonbird (1959) exclusivamente para ellos, y que ganaría el Oscar a cortometraje de animación (las cosas se habían calmado y ya estaban todas las piscinas vendidas, si alguien recuerda la cita de Welles). El matrimonio volvería a ganar la estatuilla en 1962 con The Hole (con voz de Dizzy Gillispie, ya que los Hubley eran muy aficionado al jazz, más devotos que aficionados, podríamos decir, y solían trabajar con músicos de jazz en sus proyectos); y en 1967, por tercera vez con A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature.

De todas formas, estos cortometrajes ya estaban muy alejados de lo que solía hacer antes John y no encontraron mucha distribución en los cines. Como Faith recordaría "Obviamente, la Academia te da prestigio, pero no apoyo material." (hablamos de cortos cinematográficos "independientes" en los años 60, cuando ya no se acompañaban las películas de un cortometraje de animación que atrajera al público a las salas). Curioso que ahora sí puedan encontrar esa distribución por la red.

Faith Hubley, Olivia de Havilland y John Hubley en 1967.

Moonbird (1959)

Para Moonbird, sus hijos pusieron las voces de los niños protagonistas.

The Hole (1962)

A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature (1966)

Y hay que señalar que algunos de los hijos de los Hubley también son artistas de espíritu independiente, como la animadora Emily Hubley

O la cantante y batería Georgia Hubley, fundadora del grupo Yo la tengo.

Pista nº 4: En 1977, Garry Trudeau, el creador de la famosa tira Doonesbury accedió a la realización de un especial de animación basado en sus personajes en colaboración junto a los Hubley. Desgraciadamente, John murió durante la fase de preparación de los storyboards. El mediometraje ganó un premio especial del jurado en el Festival de Cannes.

Pista nº5. Uno de los proyectos en los que trabajaron los Hubley en los años cincuenta pero que no llegó a materializarse por culpa de la dichosa caza de brujas, fue una adaptación de Finian's Rainbow, con canciones interpretadas por Frank Sinatra, Ella Fitzgerald o Louis Armstrong entre otros. La película se realizaría mucho años más tarde con dirección de Coppola y Fred Astaire y Petula Clark como actores principales.

Imágenes para Finian's Rainbow.

La última pista. Ese corto de Barrio Sésamo sobre la letra E era de los Hubley.

Y aquí os dejo con otro, que cuenta prácticamente todo esto de lo que os he hablado en esta entrada.

AÑADIDO: Josep, de El bloc de Josep dio con la solución.

lunes, 4 de septiembre de 2017

COLABORACIONES "MÁGICAS" II

Supongo que nadie se habrá preguntado por qué están las comillas sobre la palabra "mágicas". Tiene fácil respuesta.

Aunque estas colaboraciones de las que hablamos pueden resultar mágicas o fantásticas para el público, también ocurre que muchas veces terminan enquistándose entre sus creadores, y acaban envenenando no solo la relación laboral, sino la afectiva o personal que hubiera entre ellos.

Riskin y Capra.

En el caso de Riskin y Capra fue así. Por lo menos, por parte de Capra, ya que según el libro "A la sombra de Capra" sobre la vida de Riskin, Capra no fue a visitarlo durante los últimos cinco años de su vida que pasó enfermo, ni tampoco asistió al funeral. Mmmm.... Un comportamiento poco "capriano", me atrevería a decir.

Pero en cambio, cuando los amigos que visitaban a Riskin comentaban esta falta de detalle por parte de Capra, Riskin cortaba el tema y decía que aún lo seguía considerando su mejor amigo.

Autorretrato de Ub Iwerks

Supongo que todos sabéis ya quién es el creador de Mickey Mouse (o co-creador, depende de cómo veais el asunto)...
Si no es así, os recomiendo que os paséis por esta vieja entrada... que sí, es un cuento breve, pero en el que que todo lo que se narra es más real que ficción.

Y por si queréis conocer el final de la historia, Iwerks siguió trabajando con Walt y su participación en Disney fue tan importante como la había sido al principio, premios de la Academia incluidos.

Por supuesto, no todas las relaciones entre colaboradores que han creado magia acaban mal. Y si así ocurre, no siempre todos los colaboradores tienen que actuar de manera errónea.
Stan al menos fue al funeral de Jack.

Y luego podemos entrar en el espinoso tema de atribuir quién hizo qué y en qué proporción, quién es realmente el "creador" o el verdadero genio de estas relaciones o quién el que se aprovechó del talento de su compañero... arenas movedizas...

jueves, 18 de agosto de 2016

TANIGUCHI Y SETON

Estos días he estado leyendo algunos tebeos dibujados, otros también escritos y alguno adaptado por Jiro Taniguchi: "Los años dulces", "Los guardianes del Louvre", "Enemigo", "Tomoji" y "Seton... El naturalista viajero...", este último, trilogía (en realidad tetralogía, pero aquí solo se han publicado tres libros) sobre la vida de Ernest Thompson Seton.

Si tengo que recomendaros alguno de estos, me inclino por la historia de amor entre un profesor jubilado y una antigua alumna que nos cuentan en

"Los años dulces", adaptación de la novela "El cielo es azul, la tierra blanca" de Hiromi Kawakami (que no he leído; pero a la que igual me acerco después de leer este cómic).
Por cierto, la autora le dice a Taniguchi en una entrevista que aparece al final : "Estoy encantada con la adaptación manga que ha hecho de mi novela."

¿Os imagináis a algún escritor de los de por aquí diciendo algo parecido si algún autor de tebeos hubiera adaptado alguna novela de ellos?

Y aunque este título es el que más me ha gustado de todos los que he mencionado más arriba, lo cierto es que los tres tomos sobre Seton me han interesado también y hay en ellos varias cosas que me han llamado la atención.

Seton estudió pintura en París y en 1891, su cuadro "Lobo durmiendo" fue seleccionado para la exposición en el Gran Salón de París. Es este que tenéis debajo.

Al año siguiente presentó otro cuadro sobre lobos. "El triunfo de los lobos". Aquí debajo, también.

Pues bien, la pintura no fue seleccionada, porque según cuentan en el manga ilustrado por Taniguchi con guión de Yoshiharu Imaizumi, para el jurado y en palabras de Wiliam Bryner, mecenas de la pintura parisina: "La obra de Seton es blasfema y jamás se debería permitir, pintar al ser humano, ser dotado de espíritu, como víctima de los animales salvajes, carente del mismo, es como querer decir que es la naturaleza y no Dios quien domina la creación."

Y no solo en el manga, en este enlace apuntan: "La obra causó una gran controversia, y fue duramente criticada, al considerarse una provocación que situaba a la naturaleza por encima del dios cristiano y contradecir el orden que éste había establecido al ser humano como cumbre de su creación."

Así que Seton, tal y como nos cuentan en el manga, decepcionado con el mundo del arte parisino y sus ideales antropocéntricos de raíz cristiana se vuelve a Norteamérica.

Otra "historia" que me parece increíble es cuando en el tomo tres "Sandhill Stag" , el padre de Seton le dice que ha hecho la suma de lo que ha invertido en él desde su nacimiento y que espera y desea que le devuelva el dinero a la mayor brevedad posible. Vale. Un breve momento para "explicar" esto. En este mismo volumen, uno de sus hermanos le dice que su padre las pasó "canutas" sacando adelante a sus 13 hijos y que probablemente le diría esto a Seton (ya en la veintena y que acaba de volver de Londres) para que se independizara.

"Seguro que es amor filial, Ernest. (...) Encima tú fuiste el más consentido de todos nosotros. El que te dijera que le devolvieras el dinero de la crianza y formación, creo que era una forma de decirte que te independizaras de una vez."

Como no he leído el cuarto tomo, no sé qué final muestran en el cómic sobre este asunto paterno-filial, pero en otros enlaces que hay por la red he leído que Seton le "devolvió" lo estipulado a su padre y nunca más le volvió a dirigir la palabra. Es más, por lo visto además el padre debía zurrarle a base de bien cuando era niño... Si Bergman llega a ser norteamericano, tal vez ya tendríamos una gran película dramática sobre Seton. No sé a qué narices esperan en Hollywood. En Japón ya han sabido aprovechar las posibilidades dramáticas que contiene la vida de Seton.

Añadido:

No sabéis lo que me ha encantado "descubrir" al hacer esta entrada que uno de los libros que escribió e ilustró Seton, "Dos pequeños

salvajes", sirvió de inspiración para una de mis series animadas favoritas cuando era niño: "El bosque de Tallac". Como suele decir un amigo, "todo está có(s)micamente relacionado".

Por último, en este enlace (no sé lo que durará) tenéis un documental de la BBC sobre Seton y la caza de "Lobo", que es básicamente la historia que se cuenta en el primer volumen de Imaizumi y Taniguchi.

jueves, 10 de diciembre de 2015

RESCATANDO ENTRADAS XXIV: Cenizas De Amor (1941) de King Vidor

CENIZAS DE AMOR (1941)

de Ethan.

Dirección: King Vidor.

Intérpretes: Hedy Lamarr, Robert Young, Ruth Hussey, Van Heflin.

¿Quién no ha tenido alguna vez en su vida una crisis existencial? Harry Pullham, con algo más de 40 años, se encuentra en

esta situación y King Vidor la describe de forma excelente, alejándose deliberadamente de los melodramas que se realizaban en Hollywood en aquella época, como evasión de la guerra que asolaba el mundo. Y es que Vidor le da una vuelta de tornillo

(más de una) a la famosa crisis de los cuarenta.

Para Harry Pullham (Robert Young) cada día es una repetición exacta de la jornada anterior. El merito de Vidor es mostrar las actividades cotidianas de Harry y que el espectador sienta que son rutinarias aunque sea la primera vez que las ve en pantalla. La serie de planos que Vidor coloca en el comienzo de la cinta demuestran cómo dominaba el lenguaje cinematográfico. Así el protagonista beberá su zumo de siempre en el desayuno, se comerá el

huevo pasado por agua y lo partirá con el cuchillo casi sin darse cuenta de lo que está haciendo. En una memorable secuencia Harry, de espaldas a la ama de llaves, extiende su mano como si fuera un autómata para que la sirvienta le coloque dos cacahuetes que más tarde él echará a las ardillas del parque, de camino a su trabajo.Trabajo al que llega a las nueve en punto según anuncia un reloj que podemos ver al fondo del plano. Y es que King Vidor

planifica todo al detalle.

Sólo una invitación a comer de un antiguo compañero de la universidad alterará la rutina y provocará toda la acción posterior. Se trata de celebrar el 25 aniversario del fin de carrera y proponen que Harry sea el encargado de escribir un breve resumen de la vida que ha llevado cada compañero. Como es lógico empieza por la suya. A partir de aquí Vidor nos muestra, gracias al flash back, como la vida del pequeño Harry estaba ya planificada desde el momento de su nacimiento. Ese día, su padre (Charles Coburn) hace ya una reserva para un colegio privado donde ingresará su

hijo… ¡Dentro de 12 años! Cuando llega a esa edad el primogénito de los Pulham recibe unos consejos que son para enmarcarlos: “Si algún día te ocurre algo desagradable, procura que nadie se entere” le dice un grave Charles Coburn.

Una llamada de su antigua novia interrumpe sus recuerdos y hace que la crisis se desate. Ella le pregunta si es feliz, la misma pregunta que varias personas le formulan a lo largo de la cinta, él siempre responde por obligación, como si la respuesta fuera obvia, “Claro que sí”.

Pero el genial director nos transmite la sensación de que Harry se encuentra fuera de su cuerpo, oyéndose a si mismo, respondiendo afirmativamente, cuando sabe que no es verdad, que siente haber perdido el tiempo con su vida y que siempre ha hecho lo que los demás querían que hiciera.

¿Cómo lo hace Vidor? No sé, la he visto varias veces, aún no he podido averiguarlo, sólo puedo asegurar que cada vez descubro algo nuevo como las frases que pronuncia Harry cuando escribe su curriculum, después de esos 25 años:

“Esto más bien parece la inscripción de una tumba, a lo mejor es que estoy muerto”. Y es que se ha casado con Kay (Ruth Hussey) a la que no quiere, pero que era la preferida de su madre, y se encarga del negocio de su padre en Boston, en vez de ser un publicista en Nueva York trabajando con la mujer que amaba.

“¿Por qué las cosas que han sido las más importantes en la vida de un hombre no se pueden escribir en un curriculum?” se pregunta Harry cuando distraído comienza a escribir sobre su antigua novia, Marvin (Hedy Lamarr, guapísima).

Como estas frases, hay multitud de detalles de buen director y de guionista.

Así cada despedida entre Harry y Marvin parece la última, siempre hay una mirada desesperada o una puerta medioabierta o un hueco de escalera vacío; Vidor hace que a Robert Young sólo se le vea feliz, silbando, cuando ve inminente la llegada de su amada; el director resalta el movimiento de la nuez de un sacerdote en el momento crucial de una boda o nos presenta las
mismas actividades rutinarias que hemos visto al principio, pero alteradas completamente cuando Harry se encuentra
en plena crisis .
Todo esto provoca que King Vidor realice una película de autor redonda.

La resolución final es lo que marca la diferencia entre una buena película y una obra maestra que perdurará a través de los tiempos. El encuentro entre Harry y Marvin después de tantos años y la constatación de que nada volverá a ser igual que antes (hasta su canción suena horrible en el tocadiscos) es memorable. El falso final feliz deja un poso de amargura en un film, que por lo ambiguo de la conclusión, merece estar en la cima del séptimo arte, donde hace ya tiempo que se encuentra.

Texto de Fernando de Cea (Ethan de "El blog de ethan" para los amigos).

miércoles, 27 de mayo de 2015

SUCEDÁNEOS.

"Crecí en un sitio donde no había cuadros buenos que ver, de modo que mi primer contacto con el arte del pintor o el dibujante se realizó sólo a través de las ilustraciones de los libros. Las de "Los Cuentos de Beatrix Potter" hicieron las delicias de mi niñez; y en mis años de colegio disfruté contemplando las de El anillo de Arthur Rackham.

Ilustración de Arthur Rackham para "El anillo de los Nibelungos"

Aún conservo todos aquellos libros. Cuando los hojeo en la actualidad nunca pienso «¿Cómo pudieron gustarme obras tan malas?». Lo que me asombra es que no supiera distinguir entre obras de tan desigual calidad. Ahora percibo de inmediato la gracia del dibujo y la pureza del color en algunas láminas de Beatrix Potter, y la fealdad, los defectos de composición e incluso el carácter repetitivo de otras ilustraciones suyas. (En cambio, la clásica concisión de su estilo literario no presenta esos desniveles). En Rackham veo ahora cielos, árboles y formas grotescas admirables, pero también observo que las figuras humanas suelen parecer maniquíes. ¿Cómo pude no verlo? Creo que mi recuerdo es lo suficientemente preciso para poder responder a esta pregunta."

Ilustración de Beatrix Potter.

"Es evidente que lo que me atraía en las imágenes de ambos artistas era el contenido representativo. Eran sucedáneos. Si (en una época) hubiese podido ver realmente animales humanizados, o si (en la otra) hubiese podido ver realmente valquirias, me habría quedado con ellos en lugar de con sus representaciones."

.... y....

“El gusto por los tebeos sólo es excusable en las personas muy jóvenes, porque entraña la aceptación de dibujos de factura lamentable y de textos de una vulgaridad y una insipidez casi infrahumanas. Para poder tildar de infantil en este sentido al gusto por lo prodigioso es necesario probar que adolece de este tipo de defectos.”

Textos extraídos de "La experiencia de leer" de C.S. Lewis Traducción de Ricardo Pochtar.

AÑADIDO: A mí me siguen gustando las ilustraciones de Arthur Rackham (y también las de Beatrix Potter). Es más, di con ellas cuando ya había visto bastantes cuadros e ilustraciones de muchos otros artistas. Y no tengo tan claro lo de que me hubiera quedado con las valquirias reales en lugar de sus representaciones. A veces me gustan más las representaciones o los sucedáneos que aquello que representan. Para lo de los tebeos no tengo excusa, porque hace tiempo que dejé de ser joven.

Y aquí debajo tenéis el primer dibujo que vi de Arthur Rackham. La ilustración estaba en blanco y negro, dentro de un disco de la ópera de Wagner. Por suerte, estaba acreditado y me quedé con el nombre del artista. Aún me sigue gustando esta obra "tan mala".

miércoles, 22 de octubre de 2014

CUANDO DESCUBRIMOS A LOS DINOSAURIOS

"Entender el CÓMIC" de Scott McCloud.

Las tres imágenes de arriba, extraídas del imprescindible y más que recomendable ensayo "Entender el cómic" de Scott McCloud para aquellos que estén interesados en este medio.

Lo que me encantó de esa primera viñeta era compartir esa misma sensación de "descubrimiento" de los viejos maestros que he tenido muchas veces.
Luego podemos estar más o menos de acuerdo con esa valoración de los nuevos artistas en comparación con los viejos maestros en las dos páginas siguientes, pero no dejo de reconocer que esas cosas ocurren, y que bajo una apariencia formal más llamativa, encontramos en ocasiones obras algo vacías de contenido.
Cosa que también pasaba en la época de los dinosaurios, claro...pero los que hacían eso no adquirieron categoría de maestros, y con los años se han ido quedando más o menos olvidados.

Haciendo de esta entrada algo totalmente subjetivo....
Con qué artistas tuvisteis esa parecida sensación de la primera viñeta.

En cine a mí eso me pasó con Chaplin y King Vidor pasados ya los 18. Mejor tarde que nunca.

También me di cuenta de la enorme influencia del estilo de Max Ophuls sobre Kubrick (reconocida por el mismo Kubrick), pero no pensé que Ophuls fuese Dios (tampoco lo pensé sobre Kubrick; aunque "Senderos de Gloria" me dejó clavado en la butaca de cine).

En cómic me pasó con Harold Foster siendo niño y con Edmond Baudoin con bastante más edad. Pero Baudoin, aunque para mí es ya un maestro y un clásico, en realidad es un autor contemporáneo, así que no sé si debería entrar en esta lista. Quienes sí entrarían serían autores como Winsor McCay, Will Eisner... Y podríamos seguir. Ya he dicho que era algo subjetivo, y podría dar para largo si además de autores de cómic continuáramos con la música, la ilustración y otras artes...pero para los que sigáis este blog, creo que ya sabéis más o menos qué nombres soltaría... y no es cuestión de repetirlos a cada entrada. Me parece mejor idea que sigamos con los vuestros.

CUANDO LOS MEDIOS ACABARON CON LOS DINOSAURIOS

Una cosa es cuando los dinosaurios son devorados por los que terminarán siendo también dinosaurios (ley de vida, como decía Infantino ), o incluso por mamíferos en algunas curiosas películas (por desgracia, no siempre a un Infantino le sustituye un Adams; pero sí, asín también es la vida)...y otra muy distinta es cuando los dinosaurios tienen que enfrentarse a "meteoritos", o a que el paso de los años solo nos deje sus fósiles y no podamos apreciar lo asombrosos que eran cuando estaban "vivos".

Raquel Welch. Fotografía de Terry O'Neill. Esto es un vulgar reclamo publicitario (no salen dinosaurios).

"¿Películas en blanco y negro? No. No veo de esas.".

Así que por las mudas mejor ni preguntar, ¿no?

"Show People" de King Vidor.

"Mi tío" de Tati. Arquitectura moderna, película moderna.

Y entonces uno se plantea si puestos a escoger entre Chaplin, Keaton o Lloyd no es mejor apostar por Tati, que tal vez "superará" a los tres anteriores porque sus películas tienen sonido y además ¡son en color!, y a lo mejor no se habrán quedado tan "anticuadas" para el público. Son más modernas, desde luego.

Porque mejor tenerlo claro desde el principio. Chaplin, Keaton o Lloyd eran grandes (y también Tati, por supuesto)... pero el enorme éxito popular que tenían va a pasar a ser cada vez más y más elitista/restringido con el tiempo...

Algunos diréis que eso no tiene por qué ser necesariamente malo, pero desde mi punto de vista, que un enorme arte popular pase a ser considerado obsoleto por cuestiones puramente "técnicas" tiene delito. ¿Os imagináis que los cuadros de las pinacotecas se viesen de forma parecida? "No, lo siento... Toda la pintura anterior al s.XXI no me interesa. Esas de santos y vírgenes se han quedado viejas. Y los retratos de la pujante burguesía tampoco los aguanto. ¡Ya nadie viste así!".

Pero ¡eh!... No os confundáis. Eso no solo pasa con los clásicos silentes o en blanco y negro... Cualquier película que tenga más de treinta o cuarenta años es ya vieja para mucha gente (con la consecuente pérdida de interés añadido).

Hace no mucho y con motivo del estreno de "Saving Mr.Banks" (me gustó, y Emma Thompson está fantástica) encontré una página en la que "daban un repaso" a la vieja "Mary Poppins" y el crítico decía más o menos que la película había envejecido enormemente y que aunque había unas cuantas escenas buenas, por cada una de ellas te encontrabas con el doble de escenas malas.

"Mary Poppins. Prácticamente perfecta en todo"

Lo más gracioso fue comprobar que la mayoría de comentarios era de personas que habían visto la película en el cine siendo niños y cómo la defendían alegando que el crítico era "presumiblemente" un jovenzuelo acostumbrado a ver películas en su casa en las que pasaría con el mando las escenas que le aburrieran, pero que antes en el cine se disfrutaba la película al completo, y que estas no deben tener solo momentos "álgidos", sino que además estos destacan en contraste con otros más tranquilos.

"Eso pasa porque es una película infantil, no es lo mismo con otros clásicos", podéis pensar algunos. Os equivocaríais. Como señalaba en esa misma página uno de los comentaristas: "¿Creéis en serio Queenan o tú que queda alguna "vaca sagrada" de la cultura pop en la era de internet? Si es así, mejor que os deis una vuelta para revisar los comentarios en IMDB. "Poner a parir los clásicos" es una de las cosas que mejor hace internet. Y por "mejor" quiero decir "más"."

"Espera a que te coja, Queenan. Vas a quedar peor que Scar"

¿Y quién es ese Queenan al que mencionan? Pues un crítico que en "The Guardian" dijo que teníamos que revaluar los clásicos , y que "Centauros del desierto" puede que sea un buen film (a pesar de su tosco e inapropiado humor, sus errores de casting, etc...), pero no un "clásico imperecedero", siendo superada a su juicio por "Hasta que llegó su hora" de Leone.

Y aquí estamos hablando del largo paso de los años y el desgaste que este hace sobre las películas, sobre cómo cambian los contextos o la visión del espectador y ese tipo de cosas, pero ¿qué pasa cuando la industria hace que queden obsoletas las películas "silentes" con la llegada del sonoro o las del blanco y negro con las de color? Cuando esos cambios se producen a "marchas forzadas" (y conste que fueron cambios más o menos paulatinos) ... O ¿qué pasa con algo como la animación? ¿Os acordáis de Bugs Bunny?

Pues bien amigos, eso no era "una producción de la Warner Bros para la televisión", sino para las salas de cine. En el momento en el que productoras y distribuidoras se dieron cuenta de que el reclamo de los cortos de animación no decidía el visionado de una película, acabaron con ellos. Y no hubo más vuelta de hoja. Adiós a todo un Arte. Y llevando el tema de la animación a la actualidad, supongo que no tenéis que preguntaros por qué ya no se hacen películas de animación "tradicional".

Esto pasa en todas las artes. Dejadme ilustrarlo con algunos ejemplos.

Ilustración de Gene Pelham.

Ilustración de F.Sands Brunner.

Ilustración de James Williamson.

Ilustración de John Falter.

Fotografía de Dan Wynn.

Fotografía de Elliot Landy.

Así que ya hemos visto que el tiempo pasa factura a viejos dinosaurios como Chaplin, Keaton, Ford o Capra. ¿ Y a los dinosaurios del comic book? ¿Qué pasa con Kirby, Ditko, Kane o Infantino o con Lee, Kanigher, Thomas?

Lo mismo. Jack Kirby será el Rey, y Carmine Infantino "irremplazable" para sus viejos fans... pero no solo es que el comic book ha perdido gran parte de sus ventas y popularidad... No es que tenga que enfrentarse a las series de televisión, o a unas películas que ahora sí pueden ofrecer la espectacularidad que solo se encontraba en sus páginas, o a internet, o a los videojuegos o a lo que queráis añadir... Es que además las historias en las que trabajaban esos autores estaban dirigidas a un público infantil-adolescente y eran más toscas, menos sofisticadas que las de aquellos autores que les sucedieron en el medio. Y sí. Nadie tiene el trazo de Kirby, los escorzos y las narices de Gil son únicas, y también la excelsa verborrea de Lee y todo lo que queráis... Pero me da por pensar que con el tiempo, esas cosas no van a jugar a favor de esas historias. Y más cuando una de las cosas que mejor y más hace internet es "poner a parir los clásicos".

¿Y qué pasa con la música? Bueno, no tiene por qué ser lo que decía George... Y tampoco es cuestión de entrar ahora en si el vinilo se escuchaba mejor que el cd, o si no volcaron o remasterizaron bien ciertos discos y eso los perjudicó...
Más allá de todo eso creo que está claro que la industria musical ya no es lo que era, y que no tiene mucho sentido preguntarse sobre si sobrevivirán los discos de los viejos dinosaurios cuando casi no sabemos quién va a sobrevivir y cómo.

Y supongo que las mismas cuestiones se plantearan en los otros medios, y que sortearán las dificultades de una u otra manera. Nuevos públicos, nuevos formatos, nuevas maneras de entender el negocio, o incluso la sociedad... Ni idea. No tengo soluciones, y menos para problemas que en muchas ocasiones ellos mismos han creado.

Os dejo con una vieja canción de 1979.